Explosivos

Los efectos especiales con explosivos pueden ser muy variados, desde una pequeña detonación hasta "volar" una casa entera. Normalmente, estos efectos se producen en la postproducción, es decir, cuando está todo rodado y se recrea la explosión y los derrumbamientos de los edificios a ordenador dado el gran riesgo que conlleva. Antiguamente, cuando no estaban desarrollados mucho los ordenadores, las explosiones se hacían de verdad. Ponían dinamita u otros explosivos, rodaban desde la distancia y detonaban todo el material explosivo que había en el lugar. Por ejemplo, en las antiguas películas de vaqueros, todas las explosiones de carruajes, casas, trenes... etc, estaban hechas de verdad, solo que rodaban el tren/carruaje en movimiento y luego, rodaban la explosión para ponerla justo en medio de cuando se movía el carruaje, de este modo parecía que el carruaje había sido destruido en movimiento. También, aunque no hace falta decirlo pues es obvio, todas las explosiones realizadas están siempre supervisadas y planeadas por expertos.

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Cine en 3D

Recibe la denominación de cine 3D la tecnología de filmación y proyección de cine para que simule la visión tridimensional humana real.

El fenómeno del cine resultó una innovación, la inquietud de un cine que pudiese reproducir las imágenes tal cual son visualizadas por el ojo humano fue inminente. La historia del cine data que, después del surgimiento de este medio (en 1895 con la primera proyección pública de la mano de los Hermanos Lumière) se comenzó a plantear la posibilidad de dotar a este nuevo gran espectáculo con la tercera dimensión para que se hiciera más real.

Se sabía que el cerebro creaba la sensación de tridimensionalidad sumando las dos imágenes que recibía a través del ojo izquierdo y del derecho. Lo que faltaba, era crear una solución técnica que permitiera proyectar esas dos imágenes de forma separada para que el cerebro las uniera. Entre 1890 y 1920 se hicieron diferentes pruebas de sistemas cinematográficos en 3D, pero ninguno tuvo éxito por su complejo mecanismo. Los pioneros en esta nueva rama del cine fueron, principalmente, William Frieese-Greene, Frederick Eugene Ives, Edwin S. Porter y William E. Waden.

En 1922 llegó el primer largometraje en 3D aplicado por fotos a las salas comerciales de Los Ángeles. El productor Harry K. Fairall y el camerógrafo Robert F. Elder, utilizaron el método de la doble proyección a partir de dos películas de celuloide, separando la imagen mediante los colores rojo y verde; donde cada color era captado sólo por uno de los ojos, mediante unas gafas con cristales rojo y verde respectivamente. La película The Power of Love no tuvo ningún éxito pero fue el verdadero inicio del interés real por la cinematografía en 3D. Con la caída de Wall Street en 1929, el desarrollo del cine tridimensional se detuvo.

La Alemania nazi ya utilizaba este formato de 3D para el Ministerio de Propaganda de Joseph Goebbels.

Hubo que esperar hasta 1934. Año en que la Metro Golden Mayer presentó algunos cortos rodados en 3D y que tuvieron bastante éxito. En Europa, Louis Lumière presentó su famoso film Llegada del tren en un cine 3D, vuelta a rodar con una cámara estereoscópica. El cine tridimensional ya se había introducido en la sociedad.

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Cine en color

El color aparece en el cine, con el desarrollo del primer proceso de revelado de película en color denominado Autochrome. Mientras que la incorporación del sonido fue rápida y determinó la desaparición del relator y los músicos en vivo, el color tardó más en ser adoptado por el cine. Desde entonces se han sucedido diversas tecnologías y actualmente se colorean, digitalmente, películas en blanco y negro para hacerlas más cercanas y populares al público en general.

Por los elementos químicos utilizados en las primeros celuloides, las primeras fotografías y fotogramas fueron en blanco y negro (B/N). La utilización del color en el cine procede, prácticamente, desde el inicio de este arte.

En un principio, las imágenes se coloreaban, a mano, fotograma a fotograma, con lo que esto supone para una película de tan sólo una hora de duración (más de 90.000 fotogramas). Dado el trabajo interminable que hubiese supuesto colorear así todos los films, pronto se terminó coloreando secciones de fotogramas para crear ambientes. Grises oscuros o azules para secciones en oscuridad o nocturnas, rojas para incendios, etc. Finalmente, ante la avalancha de producciones, se abandonó este método.

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Primeros años del cine

Las diez brevísimas películas de diecisiete metros que componían los primeros programas presentados por los Lumiére mostraban imágenes absolutamente vulgares e inocentes.  Películas que, barajando unas pocas variantes, ofrecían temas bien prosaicos:

-La salida de los obreros de la fábrica Lumiére

-Riña de niños.

-obreros de la fábrica Lumiére 

-Riña de niños.

-Los fosos de las Tullerías.

-La llegada del tren .

-El regimiento.

-El herrero.

-Partida de naipes.

-Destrucción de las malas hierbas.

-La demolición de un muro.

-El mar
Como puede verse, nada nuevo ni nada extraordinario ofrecían estos temas, propios del repertorio de cualquier fotógrafo aficionado de la época.  Pero, a pesar de ello, el impacto que causaron aquellas cintas en el ánimo de los espectadores fue tan grande que al día siguiente los diarios parisinos se deshacían en elogios ante aquel invento y un cronista, víctima de una alucinación, elogiaba la autenticidad de los colores de las imágenes. Un operador de Edison, en estados Unidos, Edwin S. Porter, tuvo la genial idea de montar por separado una serie de escenas de archivo de incendios y acciones de los bomberos por un lado, y por otro secuencias de bomberos tomadas por él mismo. El resultado fue, probablemente, la primera película de montaje de la historia del cine Vida de un bombero americano (Life of an American Fireman, 1903). Su descubrimiento lo perfeccionó en Asalto y robo al tren (The great train robbery, 1903), en la que mezcla varias historias rodadas por separado que confluyen en un momento determinado. Entre las secuencias, son de destacar: unos bandidos que han asaltado la estación, la hija del telegrafista que al que han amordazado, y un baile en el que está la gente del pueblo. La historia finaliza en la confluencia de estos tres relatos en un final en el que los bandidos son rodeados y vencidos. El final de la película es otro avance indiscutible: el primer plano del actor George Barnes, jefe de los bandidos, que apunta su revólver hacia el público, y dispara. Desde esta película el avance del lenguaje cinematográfico fue imparable.

  

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Banda sonora de El señor de los Anillos y de El Hobbit

Howard Leslie Shore (nacido en Toronto el 18 de octubre de 1946) es un compositor y saxofonista canadiense, conocido por sus bandas sonoras para películas. Ha compuesto las partituras de más de ochenta películas, especialmente la música de El silencio de los corderos y las películas de El Señor de los Anillos, por la que obtuvo tres Premios de la Academia. También es un colaborador constante del director David Cronenberg, habiendo compuesto desde 1979 todas las partituras de sus películas, salvo una. Su gran éxito viene con la trilogía de El Señor de los Anillos de Peter Jackson. Con la banda sonora de la primera película El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo, Shore consigue su primer Óscar en 2002. La banda sonora de El Señor de los Anillos: las dos torres no fue nominada a los Óscar de 2003 debido a una nueva y polémica norma, que prohibía nominar bandas sonoras que estuvieran basadas en anteriores bandas sonoras. En 2004 esta norma desaparece, y Shore gana su segundo Óscar por la música de El Señor de los Anillos: el retorno del Rey. En 2006 declaró su interés en volver a la Tierra Media para hacerse cargo de la banda sonora de la trilogía de El hobbit, dirigida por Peter Jackson y cuyo rodaje se llevó a cabo entre 2011 y 2012. La primera de las tres películas, El hobbit: un viaje inesperado, se estrenó en 2012, con la banda sonora de Shore.

 

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Banda sonora Juego de Tronos

Ramin Djawadi (nacido en Duisburg, Alemania, el 19 de julio de 1974) es un compositor irano-alemán de música orquestal para cine y televisión.

Ramin es conocido por su trabajo nominado a los Grammy en Iron Man. Tras obtener una calificación de summa cum laude en el Berklee College of Music en 1998, llamó la atención de Hans Zimmer, quien le contrató para trabajar en Remote Control Productions. Tras mudarse a Los Ángeles, Djawadi fue ayudante de Klaus Badelt y compuso música para La máquina del tiempo, Basic, La prueba y el éxito taquillero Piratas del Caribe: la Maldición de la Perla Negra.

El 2 de febrero de 2011 se anunció que Djawadi sería el compositor de la serie Juego de tronos en sustitución de Stephen Warbeck. Actualmente también compone la banda sonora del drama policial Person of interest.

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Banda sonora Star Wars

La música de Star Wars son todos los temas orquestales y musicales para la serie de la Guerra de las Galaxias, de George Lucas, compuestos casi en su totalidad para las películas por John Williams, entre 1977 y 1983 para la trilogía original, y entre 1999 y 2005 para la trilogía de protosecuelas, así como para series de televisión, cortos e incluso videojuegos del concepto, hechas por otros músicos. La música compuesta por Williams para la doble trilogía se encuentra como algo de lo más popular y respetado dentro de su ya de por sí aclamado trabajo para cine, especialmente la de la trilogía original.

La orquestación de Williams está basada en una variada y ecléctica mezcla de estilos, entre los que sobresale su influencia del Romántico Tardío de Richard Strauss y sus contemporáneos, Erich Korngold y Max Steiner. También existen influencias de Los Planetas de Gustav Holst , William Walton e Igor Stravinsky, lo cual es evidente, en especial, en la película original de 1977, pues el director George Lucas deseaba mantener un tono clásico para el filme, motivo que lo llevó a tener algunas discrepancias con Williams, quien por su parte deseaba hacer la partitura más accesible al público optando por tendencias más modernas. La película se estrenó y la partitura de Williams fue uno de sus aspectos más destacados, así que Lucas dio al músico mayor libertad para las orquestaciones de los otros filmes, por lo cual el de la primera película acabó siendo el más distante a los otros cinco, el más clasicista, como lo concibió el director.

En palabras del propio John Williams, "Personalmente, me siento muy ligado a la música de Korngold (…). Cuando George Lucas me pidió que escribiera un tema para Luke que fuese a un tiempo heroico y de esencia idealista, y fuese presentado en forma de fanfarria, asocié en mi mente el heroísmo de Korngold, el idealismo de Holst y las fanfarrias de Elgar. Todo esto obviamente implica una inevitable semejanza con Kings Row y con muchas otras composiciones, pero desde un punto de vista temático, armónico y melódico, todas las notas son de mi propia cosecha".

La música de Star Wars reinauguró en cine las partituras ejecutadas por grandes orquestas sinfónicas, además de que reimpuso la utilización de la técnica operística del leitmotiv, asociada ésta principalmente con Richard Wagner, y que consiste en una melodía única que distinguirá a cada personaje, escenario o situación específica.

  

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